Flautas y campanas, liras y armónicas, violines y guitarras, y ni un sintetizador ni un codificador de voz. Bienvenido a las rutas secundarias esotéricas y los desvíos recorridos por Ralf y Florian en Kraftwerk 2 antes de que pusieran en marcha y se dirigieran por la autopista.
Conocido por los fans como "Green Cone", como el debut del grupo en 1970 ("Red Cone"), el segundo álbum de Kraftwerk encuentra a Hütter y Schneider todavía conduciendo con las placas L puestas y sin saber su dirección o destino. También es un disco que solo será familiar para aquellos de cierta época o aficionados lo suficientemente comprometidos como para haberlo rastreado en un vinilo de segunda mano o en un pirata poco fiable.
Kraftwerk 2 nunca ha sido reeditado en CD y sigue sin estar disponible en las plataformas de transmisión digital habituales, y la banda espera que permanezca enterrado. Un registro del período descartado por Ralf Hütter como "arqueología", los fanáticos han sido activamente disuadidos de excavar los años anteriores a la Autobahn de Kraftwerk.
"No consideramos los primeros discos como obras o composiciones importantes. Fue otro período", insiste Schneider. "Simplemente nunca hemos echado un vistazo a esos álbumes", agregó Hütter con desdén. "Siempre han estado disponibles, pero como bootlegs realmente malos". Y allí parecen haberse alegrado de dejarlos.
Los tres primeros LP de Kraftwerk se excluyeron de la caja Der Katalog de 2009, por lo demás completa, y aunque en un momento Hütter informó que había encontrado un caché de gráficos y fotografías de la época e insinuó que un proyecto de reenvasado de lujo podría estar en las cartas, no ha pasado nada. Hubo una oleada de emoción a principios de 2020 cuando los dos primeros álbumes se listaron brevemente para su reedición en vinilo de 180 gramos como lanzamientos del Record Store Day. Pero ambos álbumes cayeron del calendario.
La forma más fácil para que los neófitos escuchen “Kraftwerk 2” en este momento es una versión en YouTube.
Adelante con nuestra propia arqueología. Después de que Hütter y Schneider grabaran el debut de Kraftwerk con Klaus Dinger y Andreas Hohmann en la batería, Michael Rother se unió a la banda a la guitarra mientras que Hütter (increíblemente en estos días, ya que es el único miembro original de la banda) partió para completar sus estudios de arquitectura en Aquisgrán. Una alineación de tres piezas de Kraftwerk de Schneider, Dinger y Rother hizo varias apariciones en televisión y radio, antes de que Dinger y Rother se fueran para formar Neu! y Hütter regresó. Significaba que cuando se grabó “Kraftwerk 2” con el productor Conny Plank en septiembre de 1971, se habían reducido a un dúo sin batería. En la portada interior, Hütter y Schneider lucen cabello largo, gafas de sol, chaquetas de piel de leopardo, pantalones de cuero y botines Chelsea blancos. El aspecto es más de un Jim Morrison vampírico que de empleado de banco robótico. Para entonces, el llamado "krautrock" era un subgénero establecido en el firmamento del rock progresivo, aunque tal vez comprensiblemente, las bandas alemanas no estaban enamoradas del término. "Cuando los ingleses empezaron a hablar sobre el krautrock, pensamos que nos estaban tomando el pelo", se quejó Zappi Diermaier de Faust. Es posible que tuviera razón, ya que el término supuestamente fue acuñado por John Peel como una broma. El segundo álbum de Tangerine Dream, Alpha Centauri, en 1971 para acuñar el término más políticamente correcto "kosmische musik" para describir una escena musical alemana que se inspiró en fuentes tan diversas como Stockhausen, Albert Ayler, Mothers Of Invention de Zappa, La Monte Young, The Velvet Underground, Ornette Coleman, Terry Riley y Pink Floyd.
La escena alemana fue ciertamente fértil. Plank, quien de manera improbable había comenzado su carrera como técnico de sonido de Marlene Dietrich, acababa de hacer el primer álbum de Cluster con Hans-Joachim Roedelius y Dieter Moebius y tan pronto como terminó el trabajo en Kraftwerk 2 estaba a punto de producir el debut de Neu!. Ash Ra Temple había lanzado recientemente su debut y Florian Fricke estaba explorando los confines del cosmos musical en su Moog con Popol Vuh. Can de Colonia había lanzado recientemente el “Tago Mago”, que definió el género, el debut de Faust estaba haciendo olas y Amon Düül II de Munich eran ya veteranos, con un trío de álbumes ya a su nombre. Muchas de las bandas kosmische estaban interconectadas y Michael Rother de Neu! las vio como compartiendo un propósito artístico común alejarse de las estructuras tradicionales... una reacción a la Segunda Guerra Mundial y al pulso de la Alemania conservadora".
Kraftwerk eventualmente los superaría a todos con su propia visión singular de la música electrónica, por supuesto. Sin embargo, incluso en un entorno tan creativo en el que la fertilización cruzada estaba a la orden del día, el dúo de Düsseldorf se sentía como extraños, su principal conexión con el movimiento kosmische más amplio venía a través del omnipresente Plank. Una de las principales líneas divisorias, consideró Plank, era que Kraftwerk era la única banda con la que trabajaba que no estaba drogada. "Nadie quería tocar con nosotros porque hacíamos todo tipo de cosas extrañas... retroalimentaciones, armónicos, sonidos y ritmos", comentó Hütter en 1991. "Y ningún baterista quería trabajar con nosotros porque teníamos estos aparatos electrónicos".
Rother tiene otra explicación para la insularidad de Ralf y Florian. "Hubo muchas discusiones y una guerra psicológica en curso", dijo. Después de participar brevemente en sesiones exploratorias para “Kraftwerk 2” en el verano de 1971, dejó Dinger para formar Neu!, culpando a "cuestiones de temperamento, de carácter". Como resultado, “Kraftwerk 2” encontró a Hütter y Schneider solos y con mucho camino por recorrer antes de la llegada de Wolfgang Flür y Karl Bartos crearía la formación clásica que el New York Times llamó "la respuesta de la música electrónica a John, Paul, George y Ringo”.
El álbum es esencialmente un experimento electroacústico en la manipulación de instrumentos tradicionales -órgano, piano eléctrico, lira, guitarra, bajo, xilófono, armónica, flauta y violín- con el ritmo proporcionado por un primitivo beatbox preprogramado impulsado por el Hammond de Hütter.
Quienes solo estén familiarizados con el rebote del synth-pop post-Autobahn de Kraftwerk podrían pensar que están escuchando a una banda completamente diferente, y en cierto modo tendrían razón. La idea de que las guitarras desempeñen un papel principal en un disco de Kraftwerk parece particularmente impactante, y “Kraftwerk 2” no es en absoluto un álbum de pop o rock electrónico, sino un experimento sonoro de forma libre en el ruido envuelto en la influencia de la música concreta y piezas extravagantes. Sería exagerado incluso llamarlo un registro de transición, aunque una atención cuidadosa revelará indicios identificables, aunque vagos, de lo que estaba por venir. Es en parte, la visión musical del dúo estuvo enmarcada por las limitaciones de la tecnología disponible.
El álbum se grabó en seis días, la preparación se hizo en su propio estudio rudimentario en Düsseldorf y luego se terminó en el mejor equipado Star Musik Studio en Hamburgo, después Plank convenció al dueño para permitirles el libre uso de las instalaciones en el horas muertas de la noche.
Fue un recurso invaluable, ya que en ese momento, el propio estudio de la banda en un antiguo taller en la zona industrial de Düsseldorf, estaba modestamente equipado con máquinas de cinta estéreo baratas, grabadoras de casetes, osciladores caseros y un sistema de megafonía construido con componentes de desguace. Sin un baterista, tuvieron que confiar en un prototipo rudimentario de beatbox. S - bastante encantadoramente descrito en las notas del transatlántico alemán como un ritmo. "Tenía ritmos de baile preestablecidos, pero al cambiar los sonidos básicos con eco de cinta y filtrar pudimos hacer las pistas de ritmo", explicó Hütter. Como dijo Pascal Bussy en “Kraftwerk: Man, Machine And Music”, el primero y todavía uno de los libros más perspicaces escritos sobre la banda, “el rhythmusmashine le dio al sonido el toque mecánico de la industria ligera sin el rugido del trueno de la maquinaria pesada”.
La pieza central del álbum, y la mayor parte de su mejor música, es "Klingklang" de 17 minutos, que ocupa casi la totalidad del lado uno y posteriormente, y de manera famosa, prestaría su nombre al estudio de Kraftwerk. Se abre con campanas y gongs que suenan antes de que la mezcla rítmica de Hütter establezca un ritmo suave, similar a un pulso, y la flauta entrecortada de Schneider proporciona una melodía ingrávida sobre un teclado repetitivo que evoca A Rainbow In Curved Air de Terry Riley interpretado por Third Ear Band. Bucólico en lugar de motorik, el tempo se acelera y se ralentiza aparentemente al azar antes de que la sección final acelere el ritmo con efectos de guitarra distorsionados y pizzicato de violín. El efecto es ordenado y relajante, una sencillez casi infantil, con un toque africano en el ritmo que predice el sonido 'Congotronics' basado en la chatarra de bandas como Konono No 1.
El lado uno se completa con "Atem", tres minutos de respiración agitada sorprendentemente tratados con efectos electrónicos: una revisión rápida del diccionario inglés-alemán revela que "Atem" se traduce como "aliento". Es una idea sonora interesante pero sin desarrollar que tiene la influencia de Ligeti y partes de la banda sonora de 2001 de Kubrick: A Space Odyssey.
Si uno puede escuchar toques embrionarios de lo que se convertiría en el el sonido característico de Kraftwerk en partes de "Klingklang", la cara B es un experimento completamente extraño de música concreta y cómo el ruido y el sonido encontrado pueden convertirse en composición. "Strom" (que se traduce como "actual") se abre con un estallido de ambiente de guitarra de baja fidelidad desafinado y distorsionado, como un equivalente electrónico de las extrañas pero no desagradables disonancias creadas cuando Ravi Shankar solía pasar 10 minutos afinando su sitar en el comienzo de una actuación, antes de que la pieza se convierta en un zumbido parecido a un canto fúnebre con la flauta de Schneider muda hasta un silbido monótono. Es otra pieza que contiene la semilla de una idea interesante pero no queda mucho más que eso.
Las siguientes dos piezas también están dominadas por la guitarra, tratadas con eco, reverberación, retardo y otros efectos. "Spule 4" es un experimento monocromático anti-rock en cuerdas raspadas atonales con un ambiente industrial ligero. "Wellenlänge" ("Longitud de onda") de 10 minutos de duración es más imaginativo: a la mitad, el bajo de Hütter toma un ritmo acelerado que recuerda a "Dark Star" de Grateful Dead y lo desarrolla en un motivo de blues de 12 compases que por un breve momento no está a un millón de años luz de distancia de la “Silver Machine" de Hawkwind. Desafortunadamente, se desvanece de nuevo de forma libre justo cuando parece a punto de despegar hacia un lugar más interesante.
El álbum se cierra con el minimalismo pesimista de "Harmonika", en el que los majestuosos arpegios de órgano de Hütter se tratan electrónicamente para que suenen como un armonio asustado. Frustrante y fascinante a partes iguales, uno no puede evitar sentir que podría haber sido un mejor disco si Dinger hubiera estado en la batería y el grupo hubiera tenido el lujo de pasar más tiempo en el estudio para desarrollar lo que sin duda es un conjunto de temas intrigantes y a menudo ideas desafiantes.
La portada alemana del álbum, replicando el cono de tráfico de su predecesor con solo el color cambiado, era un claro concepto warholiano pero puede haber fracasado: “Kraftwerk 2” vendió menos copias que el debut del grupo, posiblemente porque los compradores de discos pensaron que era el mismo álbum reempaquetado. En Gran Bretaña, el sello de rock progresivo de Philips, Vertigo, finalmente volvió a empaquetar el disco (junto con el debut) como un juego doble en una funda diferente, el cono de tráfico reemplazado por una ola oscilante azul.
El disco no tuvo mucha repercusión, aunque uno de los pocos que lo escuchaba atentamente era David Bowie. "En realidad, encontré su material anterior más vigorizante que el material posterior", observó en 1978 en medio de la grabación de su trilogía de Berlín. "Me gustaban las cosas que parecían ser de forma libre". En su mayor parte, sin embargo, los fans del prog británico prefirieron el Big Beat Kosmische de Tago Mago de Can y el rock espacial alimentado con ácido de Dance Of The Lemmings de Amon Düül a la estética simplificada de “Kraftwerk 2”. Haría falta un codificador de voz, un banco de sintetizadores y una reinvención radical del tipo más audaz para cambiar eso.
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